Ragtime

Mis à jour le 13 octobre 2026

Le ragtime est un style de piano écrit, né dans les communautés afro-américaines des États-Unis au cours des années 1890, avec la vallée du Mississippi, Saint-Louis et Sedalia (Missouri) pour foyers principaux, et dont l’âge d’or s’achève à la fin des années 1910. Il se joue le plus souvent entre 80 et 100 BPM à la noire, en valeurs strictement égales : une main gauche régulière héritée de la marche militaire, une main droite qui place ses accents entre les appuis, et une forme en trois ou quatre thèmes de seize mesures. Scott Joplin, James Scott et Joseph Lamb en sont les trois compositeurs de référence ; la génération suivante, de James P. Johnson à Jelly Roll Morton, y puisera de quoi inventer le jazz.

• PériodeAnnées 1890 à 1910, revival dans les années 1970
• FoyerVallée du Mississippi, Sedalia et Saint-Louis (Missouri)
• Tempo80 à 100 BPM à la noire
• RythmeBinaire, sans swing, groupements de doubles-croches en 3 + 3 + 2
• InstrumentsPiano droit, parfois banjo, cornet, trombone, tuba

Trois albums cultes pour entrer dans le ragtime

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Qu’est-ce que le ragtime ?

Ce qui existait avant

Trois pratiques préparent le ragtime tout au long du XIXe siècle. La première est la marche de fanfare, omniprésente dans la vie publique américaine et dont John Philip Sousa est la figure la plus connue : elle fournit au rag sa carrure à deux temps, sa basse sur les appuis, ses thèmes de seize mesures et sa modulation vers la sous-dominante au troisième thème. La deuxième est le cakewalk, danse née dans les plantations du Sud puis passée au spectacle, qui a donné à la musique blanche de l’époque son premier vocabulaire syncopé. La troisième, la moins documentée, est le piano syncopé des saloons et des fêtes foraines, transmis à l’oreille par des pianistes dont beaucoup n’ont jamais rien publié.

Il faut y ajouter le banjo. Ses joueurs, enregistrés très tôt sur cylindres, pratiquaient déjà des motifs décalés proches de ce que la main droite du rag écrira ensuite : on l’entend chez Vess Ossman ou Fred Van Eps. Le ragtime n’a donc pas inventé la syncope : il l’a fixée sur le papier, dans une forme stable, et l’a vendue.

La naissance

Le style se cristallise dans les années 1890 et aucun acte de naissance ne lui est attaché. L’année 1897 sert habituellement de repère éditorial : « Mississippi Rag » de William Krell et « Harlem Rag » de Tom Turpin, publiés cette année-là, sont souvent considérés comme les premiers rags pour piano édités, un titre de « premier » qui reste disputé selon la définition que l’on retient du mot. Deux ans plus tôt, Ben Harney avait déjà fait imprimer des chansons syncopées qui relèvent du même mouvement.

La figure centrale est Scott Joplin, né au Texas vers 1868 (la date exacte reste incertaine) et mort à New York le 1er avril 1917. Installé à Sedalia, dans le Missouri, il publie en 1899 chez l’éditeur John Stark un rag qui fixera le modèle de tout le genre, « Maple Leaf Rag », dont le titre est traditionnellement rattaché à un club de la ville. Joplin signe ensuite plus de quarante rags, un recueil d’exercices, School of Ragtime (1908), et un opéra, Treemonisha, dont la partition chant-piano paraît en 1911 mais qui ne sera monté intégralement que dans les années 1970. Un prix Pulitzer spécial lui est décerné à titre posthume en 1976.

Autour de lui, deux autres compositeurs complètent le trio de référence du classic rag : James Scott, publié lui aussi par Stark, auteur de pièces plus brillantes et plus exigeantes pour la main droite, et Joseph Lamb, seul Blanc du groupe, qui pousse le genre vers une écriture presque romantique. Il faut y ajouter Tom Turpin à Saint-Louis, Louis Chauvin, Arthur Marshall, Scott Hayden, et une série de compositrices que l’histoire a longtemps laissées de côté, au premier rang desquelles May Aufderheide et Julia Lee Niebergall, toutes deux actives à Indianapolis.

D’où vient le mot

L’origine du terme n’est pas tranchée. L’explication la plus couramment avancée le fait venir de l’anglais ragged time, littéralement un temps « en lambeaux », par allusion à la mélodie qui tombe à côté des appuis de la main gauche. Le mot circule dans la presse et sur les couvertures de partitions à partir du milieu des années 1890. Les éditeurs s’en emparent si vite que « rag » finit par figurer sur des partitions qui n’ont musicalement plus grand-chose à voir avec le style : c’est le cas de « Alexander’s Ragtime Band » d’Irving Berlin, un des plus gros succès de 1911, dont les musicologues relèvent qu’il ne contient presque aucune syncope caractéristique.

La mutation

Le ragtime ne meurt pas : il se transforme. À Harlem, dans les années 1920, les pianistes du stride gardent la main gauche alternée mais y ajoutent l’improvisation, un tempo plus vif et une virtuosité de compétition : James P. Johnson, Willie « The Lion » Smith, Luckey Roberts, puis Fats Waller. En parallèle, le novelty piano pousse l’écriture vers l’effet et les traits chromatiques, avec « Kitten on the Keys » de Zez Confrey en 1921. Le jazz, enfin, absorbe le répertoire en lui appliquant ce que le rag ignorait : le swing et l’improvisation. Après 1930, le ragtime n’est plus une musique vivante mais un patrimoine, entretenu par une poignée de passionnés jusqu’à son retour des années 1970.

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Le ragtime en sept dates

1. 1897Les premiers rags édités« Mississippi Rag » de William Krell et « Harlem Rag » de Tom Turpin paraissent en partition, et le mot « rag » entre dans le commerce de la musique imprimée.
2. 1899« Maple Leaf Rag »Scott Joplin publie chez John Stark, à Sedalia, le rag qui servira de modèle formel à tout le genre et lui assurera des droits d’auteur réguliers pendant des années.
3. 1902« The Entertainer »Joplin signe la pièce qui deviendra, soixante-dix ans plus tard, le morceau de ragtime le plus connu du monde.
4. 1908School of RagtimeJoplin publie six exercices pour apprendre à jouer proprement les syncopes, accompagnés d’une mise en garde contre les tempos rapides.
5. 1917Mort de Scott JoplinIl meurt à New York le 1er avril, alors que le jazz naissant commence déjà à occuper la place que le rag tenait dans les catalogues.
6. 1970Joshua Rifkin relance le répertoireLe disque Piano Rags by Scott Joplin, publié par Nonesuch, rencontre un succès inattendu et rouvre tout le catalogue aux pianistes.
7. 1974L’effet L’ArnaqueLa bande originale du film, signée Marvin Hamlisch d’après Joplin, installe le ragtime en tête des ventes et déclenche un revival mondial.

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Le morceau pour comprendre

« Maple Leaf Rag » dans la version de Joshua Rifkin, qui est le meilleur point d’entrée parce qu’elle est lente et lisible. Dans les vingt premières secondes, isolez la main gauche : une note grave, un accord, une note grave, un accord, sans une hésitation, comme une pendule. Écoutez ensuite la main droite : en dehors du tout début de chaque mesure, ses accents ne tombent pas avec la main gauche, ils arrivent une double-croche trop tôt, puis se recalent. Après une minute environ, un nouveau thème arrive : il ne développe pas le précédent, il le remplace. Au milieu du morceau, la musique change d’air sans qu’on sache pourquoi : elle vient de passer à la sous-dominante, une quarte plus haut. Et jusqu’à la dernière note, aucune valeur n’est inégale : battez le contretemps du pied, il tombe toujours au milieu du temps, jamais aux deux tiers comme dans le jazz.

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Les caractéristiques musicales

Le rythme

Les rags sont notés en 2/4, parfois en 4/4, avec une indication de marche. Les tempos usuels vont de 80 à 100 BPM à la noire, et Joplin a fait imprimer sur plusieurs de ses partitions un avertissement resté célèbre contre les exécutions rapides. Les versions vertigineuses que l’on entend souvent viennent des rouleaux de piano mécanique et des reprises de music-hall, pas des auteurs.

Le principe tient en deux couches superposées. La main gauche marque un balancement régulier, que les pianistes appellent « oum-pah » : une note de basse sur les temps forts, un accord sur les temps faibles. La main droite, elle, découpe ses doubles-croches en groupements de trois, trois et deux (3 + 3 + 2), ce qui déplace ses accents d’une double-croche par rapport à la pulsation avant de les recaler à la fin de la mesure. Point capital : toutes ces valeurs sont égales. Le ragtime ne swingue pas, et un rag joué en swing n’est plus un rag.

La grille ci-dessous représente une mesure de 4/4 découpée en seize doubles-croches, à 90 BPM à la noire, ce qui correspond à deux mesures de 2/4 sur la partition d’origine. Les pas 1, 5, 9 et 13 sont les quatre temps.

L’harmonie

L’harmonie du ragtime est diatonique et proche de celle des marches et de la musique de salon. Elle repose sur les trois piliers I, IV et V, sur des septièmes diminuées employées en passage chromatique, et surtout sur de longues chaînes de dominantes secondaires. En do majeur, la chaîne type est E7, A7, D7, G7, puis do : chaque accord de septième appelle le suivant d’une quinte descendante jusqu’à la cadence finale. C’est ce moteur, plus que la mélodie, qui donne au rag son avancée continue, et c’est le même mécanisme que l’on retrouvera dans l’anatole puis dans toute l’harmonie jazz.

La forme est tout aussi codifiée. Un rag enchaîne trois ou quatre thèmes de seize mesures, souvent répétés, selon des schémas du type AABBACCDD. Les deux premiers thèmes restent dans la tonalité principale ; à partir du troisième, appelé le trio, la musique passe à la sous-dominante, c’est-à-dire une quarte plus haut. Le « Maple Leaf Rag » suit ce plan en partant de la bémol majeur pour rejoindre ré bémol majeur.

L’instrumentation

Le ragtime est d’abord une musique de piano seul, et le plus souvent d’un piano droit de saloon, désaccordé par l’usage, au son court et un peu métallique. Dans le rag pour piano, il n’y a aucune batterie : la pulsation est entièrement portée par la main gauche, ce qui explique pourquoi la moindre irrégularité s’entend immédiatement.

L’époque en a produit deux dérivés. Le premier est l’orchestre de ragtime, formation de fanfare réduite (cornet, trombone, clarinette, banjo ténor, tuba, percussions de marche) qui jouait les mêmes pièces sur des arrangements édités ; c’est ce répertoire que le New England Ragtime Ensemble a remis en circulation dans les années 1970. Le second est le rouleau de piano mécanique, qui a diffusé le répertoire avant le disque, mais avec un défaut que l’on paie encore : beaucoup de rouleaux étaient perforés à un tempo supérieur au tempo de jeu, ce qui a durablement installé l’idée fausse d’un ragtime rapide.

La voix et la forme

Le rag pour piano est instrumental, mais le ragtime comme phénomène commercial a été massivement chanté. Les « coon songs » de la fin du XIXe siècle, chansons de scène dont le racisme assumé constitue la part la plus indéfendable de cette histoire, ont porté la syncope au grand public avant les rags pour piano. Des interprètes comme Arthur Collins et Billy Murray en ont vendu des quantités considérables sur cylindres et sur disques. Le cas de Bert Williams, artiste noir contraint de se produire grimé, résume l’ambivalence de la période.

Sur le plan de la forme, le rag procède par juxtaposition et non par développement. Chaque thème de seize mesures est une unité close, énoncée puis répétée, à laquelle succède un autre thème qui ne la commente pas. Pour l’auditeur habitué au couplet-refrain, c’est le point le plus déroutant du style, et le plus proche de la marche dont il descend.

Exercice d’écoute

Reprenez la version de « Maple Leaf Rag » proposée plus haut et répondez à ces trois questions avant de lire les réponses.

Question 1. Tapez du pied sur les temps, puis essayez de taper en même temps que la mélodie. Y arrivez-vous ?
Réponse : non, sauf au tout début de chaque mesure. La mélodie tombe presque toujours entre vos frappes.
Ce que vous apprenez : la syncope du ragtime n’est pas un effet d’interprétation, elle est écrite dans le placement des notes.

Question 2. Combien de fois entendez-vous le tout premier thème avant l’arrivée d’un matériau vraiment nouveau ?
Réponse : deux fois, le thème étant énoncé puis repris à l’identique avant le passage au deuxième.
Ce que vous apprenez : la forme du rag est additive, faite de blocs de seize mesures répétés, et non de développements.

Question 3. Au moment où le trio arrive, la musique vous semble-t-elle monter ou se détendre ?
Réponse : se détendre, alors même qu’elle monte d’une quarte.
Ce que vous apprenez : passer à la sous-dominante adoucit le caractère plutôt qu’il ne l’exalte, à l’inverse d’une modulation vers la dominante.

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Ragtime, blues et jazz : ce qui les sépare

Ces trois musiques sont contemporaines et se sont nourries les unes des autres, mais elles ne fonctionnent pas de la même manière.

Le blues est une musique de tradition orale, vocale avant d’être instrumentale, bâtie sur une grille de douze mesures et sur des blue notes (notes jouées volontairement un peu plus basses que la gamme majeure ne le prévoit). Il se transmet par l’écoute et se prête à l’ornementation. Le ragtime est son opposé formel : une musique écrite, éditée en partitions, sans blue notes, dont la valeur marchande était la feuille de papier vendue aux pianistes amateurs. Le blues se chante à peu près n’importe où et à peu près n’importe quel tempo ; le rag se déchiffre, à 90 BPM, comme une pièce de salon.

Le jazz, qui apparaît à La Nouvelle-Orléans dans les mêmes années, ajoute aux deux ce que le ragtime n’a pas : l’improvisation et le swing, c’est-à-dire l’inégalité des croches. La différence la plus simple à vérifier tient au tempo et à la division du temps : à 90 BPM, un rag divise chaque temps en deux moitiés rigoureusement égales, là où un jazz de la même époque en fait deux tiers et un tiers. La deuxième différence est la place de l’interprète : un pianiste de rag rend la partition, un pianiste de jazz s’en sert comme point de départ. La fiche jazz blues détaille comment la grille de blues a ensuite été enrichie par les harmonies que le ragtime avait mises en circulation.

Dernier point, moins attendu : la main gauche alternée du rag ne disparaît pas avec lui. Elle traverse le boogie-woogie, alimente le piano du rock’n’roll, et l’on retrouve exactement le même principe de basse et d’accords alternés, à la même époque et sans aucun lien de filiation, à la main gauche de l’accordéon dans le musette parisien.

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Sous-genres et styles voisins

• Classic ragtime1899-1917, 80 à 100 BPMLe ragtime écrit de l’école du Missouri, publié par John Stark et incarné par Joplin, James Scott et Joseph Lamb. Forme stricte, écriture soignée, ambition assumée de musique savante.
• Folk ragtimeAnnées 1890-1910Le rag de tradition orale, joué dans les saloons et les fêtes, souvent jamais édité. C’est le terreau dont le ragtime imprimé a extrait sa forme.
• CakewalkAnnées 1880-1900Danse et musique de scène antérieures au rag, avec une syncope plus simple et un caractère de défilé. Il a servi de passeport commercial à la syncope avant que le ragtime ne prenne le relais.
• Novelty pianoAnnées 1920Le prolongement virtuose et chromatique du rag, taillé pour le disque et le rouleau, dont Zez Confrey est la figure de proue. Plus d’effets, plus de vitesse, une forme qui se détache du modèle en quatre thèmes.
• Stride de HarlemAnnées 1920-1930La main gauche du rag poussée à l’extrême par les pianistes new-yorkais, avec des sauts plus larges, un tempo nettement plus vif et, surtout, l’improvisation. James P. Johnson et Fats Waller en sont les références.
• Ragtime à la guitareAnnées 1920-1960Transposition du principe à la guitare seule, le pouce tenant la basse alternée pendant que les doigts jouent la mélodie décalée. C’est le cœur du blues de Piedmont, de Blind Blake au Reverend Gary Davis.
• Ragtime progressifDepuis les années 1970Le rag écrit par des compositeurs contemporains qui en gardent la forme mais en élargissent l’harmonie et la durée. David Thomas Roberts et Reginald R. Robinson en sont les représentants les plus joués.
• Barrelhouse et boogie-woogieAnnées 1920-1940Cousins directs par la main gauche, mais bâtis sur la grille de douze mesures du blues et sur une basse en croches continues plutôt que sur l’alternance basse-accord.

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La démarche artistique

Le ragtime est né d’une ambition précise : faire entrer une musique noire dans le circuit de la musique imprimée, avec le statut et les revenus qui vont avec. Là où le blues se transmettait de bouche à oreille, les compositeurs de rag ont choisi l’édition, les droits d’auteur et le catalogue. Scott Joplin a défendu cette position toute sa vie, jusqu’à écrire un opéra pour prouver que le vocabulaire du rag pouvait soutenir une forme longue. Cette volonté d’être pris au sérieux explique des choix que l’on comprend mal autrement : l’indication de marche en tête des partitions, les avertissements contre les tempos rapides, l’absence d’improvisation.

La deuxième réalité du métier est plus prosaïque : le pianiste de rag est un professionnel de lieu public, et son répertoire doit tenir toute une soirée. D’où le rôle des concours de piano, très répandus à Saint-Louis puis à Harlem : c’est de ces joutes que le stride tirera sa virtuosité. Le troisième acteur est l’éditeur, John Stark en tête, qui a fait le choix risqué de publier des rags exigeants plutôt que des chansons faciles.

Sur scène, jouer du ragtime en solo ne pose aucun problème : il suffit d’un bon piano. La question se complique dès que l’on veut alterner un piano droit, une version orchestrée et un banjo échantillonné au fil d’un même set. C’est le terrain de MainStage, qui permet de préparer chaque morceau dans un patch, d’empiler plusieurs sons par plages de touches à l’intérieur d’un même patch (un piano droit dans le médium, une basse de tuba en dessous, par exemple) et de passer d’un morceau au suivant sans toucher à l’ordinateur. MainStage partage la bibliothèque d’instruments et d’effets de Logic Pro, à l’exception notable des Session Players, de Flex, du Mastering Assistant et du Stem Splitter, qui restent propres au studio.

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Le ragtime aujourd’hui

Le ragtime n’est plus une musique de création majoritaire, mais il n’a jamais cessé d’être joué. La scène qui l’entretient s’organise autour de festivals spécialisés, aux États-Unis surtout, et d’une génération de pianistes qui enregistrent régulièrement : Stephanie Trick, Adam Swanson, Frederick Hodges, Bryan Wright, ou en Europe Neville Dickie, Paolo Alderighi et Morten Gunnar Larsen.

Le versant création existe aussi. Reginald R. Robinson, pianiste et compositeur de Chicago, écrit des rags originaux depuis l’adolescence et a reçu en 2004 une bourse de la fondation MacArthur, distinction rarissime pour un musicien de ce répertoire. David Thomas Roberts pousse le genre vers des pièces longues et harmoniquement bien plus riches que le modèle historique. Du côté du jazz, Marcus Roberts a consacré un disque entier à Joplin en 1998, en assumant d’y réintroduire ce que le rag refusait : l’improvisation.

Faire du ragtime en 2026 sans refaire 1899 suppose de choisir son angle. Le premier est la reconstitution assumée : bon piano, tempo juste, articulation propre, lecture des sources. Le deuxième consiste à écrire du rag neuf, en gardant la forme en thèmes de seize mesures et la main gauche alternée, mais en s’autorisant des harmonies postérieures à 1920. Le troisième est le plus ouvert : prélever le vocabulaire du rag et l’injecter ailleurs, comme le font depuis des années les musiques de jeu vidéo, la bande originale d’animation et certaines branches du folk instrumental. Le piège à éviter reste le même : le pastiche rapide et caricatural, hérité des dessins animés, qui n’a jamais existé chez les compositeurs du genre.

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Douze artistes pour commencer

• Scott JoplinSedalia et Saint-Louis, 1895-1917
• Tom TurpinSaint-Louis, 1897-1910
• Zez ConfreyChicago et New York, années 1920
• Eubie BlakeBaltimore et New York, 1900-1980
• James P. JohnsonHarlem, années 1920
• Jelly Roll MortonLa Nouvelle-Orléans et Chicago, années 1920
• Fats WallerHarlem, années 1920-1940
• Blind BlakeChicago, 1926-1932
• Reverend Gary DavisCaroline du Nord et New York, 1935-1970
• Max MorathÉtats-Unis, années 1960-1990
• Joshua RifkinNew York, à partir de 1970
• Reginald R. RobinsonChicago, depuis les années 1990

Voir les 100 artistes

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Reproduire le ragtime en home studio

Le ragtime est l’un des styles les plus économes en pistes : un bon piano et une main gauche solide suffisent. La difficulté se déplace donc entièrement vers le jeu, les vélocités et le réglage du son. Si vous découvrez le séquenceur, commencez par le cours Bien démarrer sur Logic Pro : les manipulations décrites ici supposent que vous savez créer une piste d’instrument, ouvrir l’éditeur MIDI et insérer un effet.

Tempo et groove

• Réglez le projet à 90 BPM pour commencer, dans une fourchette de 80 à 100.
• Travaillez en 4/4 en comptant deux mesures de partition par mesure du séquenceur, ou passez le projet en 2/4 si vous préférez lire à l’identique.
• Choisissez la double-croche comme valeur de quantification, et laissez le paramètre Q-Swing à 50 %, c’est-à-dire en valeurs strictement égales (au-delà, Logic décale les pas pairs et vous obtenez du swing, ce que le ragtime ne fait jamais).
• Baissez le paramètre Q-Force à 70 ou 80 % sur la main droite pour conserver un peu du décalage du jeu humain, et laissez-le à 100 % sur la main gauche.
• Répétez au métronome avant d’enregistrer : dans ce style, une main gauche qui flotte s’entend immédiatement.
• Ne comptez pas sur Flex Time pour rattraper une prise : Flex est réservé à l’audio, et Varispeed, qui agit sur le projet entier, ne corrige rien piste par piste.

Le piano

• Ouvrez l’instrument natif Studio Piano dans Logic Pro et choisissez un modèle de piano droit s’il en propose un dans sa liste : c’est le plus proche de l’instrument d’époque.
• Si votre version propose plusieurs prises de son, privilégiez le micro le plus proche et le plus mat, pour resserrer l’image et raccourcir la queue du son.
• Montez d’un cran ou deux les bruits de mécanique et de pédale de l’instrument : c’est une grande partie du réalisme.
• Pour le son honky-tonk, dupliquez d’abord la piste de piano.
• Désaccordez cette copie de 8 à 12 cents (le cent est le centième d’un demi-ton) avec le paramètre de désaccord de l’instrument ou un Pitch Shifter, comme expliqué dans la fiche diapason.
• Baissez cette copie de 4 à 6 dB et filtrez-la en passe-haut vers 120 Hz (un passe-haut laisse passer ce qui est au-dessus de la fréquence de coupure).
• Ajoutez un Bitcrusher très discret sur cette seule copie, mélange autour de 10 %, pour imiter les punaises sur les marteaux : la bibliothèque native ne contient pas de patch honky-tonk prêt à l’emploi, il faut le fabriquer.

La main gauche

• Placez la basse sur les temps 1 et 3 de votre mesure de 4/4, et l’accord sur les temps 2 et 4.
• Écrivez les basses en octaves ou en quintes dans le grave, entre le do1 et le do2, et les accords en position serrée autour du do central.
• Réglez les vélocités entre 95 et 110 pour les basses et entre 70 et 85 pour les accords, jamais l’inverse : c’est la basse qui porte la pulsation.
• Évitez toute variation de placement : aucune note de la main gauche ne doit être en retard, contrairement à ce que l’on fait en soul ou en hip-hop.
• Réservez les mouvements chromatiques de la main gauche aux fins de phrase, comme on en entend dans « Maple Leaf Rag » (Scott Joplin, 1899).

La main droite, l’harmonie et les autres instruments

• Construisez la mélodie en doubles-croches groupées par trois, trois et deux, en mettant la note la plus forte au début de chaque groupe.
• Doublez la ligne à l’octave ou à la sixte sur les thèmes principaux, comme sur « The Entertainer » (Scott Joplin, 1902).
• Faites varier les vélocités de la main droite entre 70 et 115 : c’est ce qui distingue un rag joué d’un rag saisi à la souris.
• Écrivez les chaînes de dominantes secondaires en quintes descendantes et gardez les voix communes d’un accord au suivant, sans sauter d’octave.
• Pour une version orchestrée, doublez la mélodie avec Studio Horns et confiez la basse à un tuba ; à défaut de banjo ténor dans la bibliothèque native, une guitare acoustique jouée au médiator, compressée court et filtrée en passe-haut au-dessus de 300 Hz, en donne une approximation acceptable.
• N’utilisez pas Drummer pour la version de fanfare : il reste en 4/4 et joue un langage moderne. Programmez à la main la caisse claire de marche et la grosse caisse sur les temps.

La pédale et l’articulation

• Enregistrez la pédale forte par touches courtes, une par accord au maximum, et relevez-la à chaque changement d’harmonie.
• Raccourcissez les notes de la main gauche à environ 80 % de leur valeur dans l’éditeur MIDI pour retrouver l’articulation détachée du piano droit.
• Laissez les notes longues de la main droite tenir leur valeur entière : le contraste entre les deux mains fait la lisibilité.
• Si vous devez corriger un placement à la main, souvenez-vous que Logic compte 960 ticks par noire, soit 240 par double-croche : un décalage de 20 ticks est déjà perceptible.

Le mixage

• Posez un passe-haut à 60 Hz sur la piste de piano avec le Channel EQ.
• Creusez de 1,5 à 2 dB autour de 300 Hz, facteur Q large, pour dégager le bas médium encombré par les accords de main gauche.
• Ajoutez une réverbération courte de type petite pièce, entre 0,8 et 1,2 seconde, sur un départ auxiliaire (une piste d’effet partagée) plutôt qu’en insertion.
• Réglez le pré-délai de cette réverbération entre 15 et 25 ms pour que l’attaque des notes reste nette.
• Compressez peu, un rapport de 2:1 et deux ou trois décibels de réduction au maximum : le piano de rag vit de ses écarts de nuance.
• Pour un rendu « 78 tours », envoyez le piano vers un bus parallèle avec un passe-haut à 200 Hz, un passe-bas à 4 kHz et un soupçon de bruit rose filtré, puis dosez ce bus sous le signal principal (le principe de la compression parallèle, appliqué ici au filtrage).
• Gardez ce bus à moins 12 dB sous le piano direct : l’effet doit s’entendre quand on le coupe, pas quand on l’écoute.
• Assumez que ce rendu « 78 tours » est un effet moderne : les pianistes de l’époque cherchaient le meilleur son possible, pas le grain du disque usé.

Ce qu’un praticien fait vraiment

Un pianiste de ragtime qui enregistre chez lui ne commence pas par le son. Il lit la partition main gauche seule, au métronome, à un tempo où il ne se trompe jamais, souvent 70 BPM, puis il remonte par paliers de cinq jusqu’à 90. Il enregistre ensuite les deux mains en une seule prise, parce que le décalage caractéristique vient de la coordination entre les deux. Il corrige à la main les notes mal placées plutôt que de quantifier l’ensemble, et garde volontairement les micro-écarts de la main droite. Pour le son « vieux piano », il désaccorde d’une quantité minuscule, jamais plus d’une douzaine de cents : au-delà, on n’entend plus un piano usé, on entend un plug-in.

Les cinq erreurs du débutant

• Jouer trop vite, par imitation des dessins animés et des rouleaux mécaniques, ce qui rend les doubles-croches illisibles.
• Activer un swing sur la quantification, ce qui transforme instantanément le rag en pastiche de jazz.
• Laisser la pédale forte enfoncée, ce qui empâte les chaînes de dominantes et annule toute l’articulation.
• Jouer les accords de la main gauche plus fort que les basses, ce qui inverse la pulsation et donne une impression de boiterie.
• Aplatir les vélocités de la main droite, ce qui donne un résultat mécanique impossible à écouter plus d’une minute.

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Où trouver des sons ragtime ?

Dans Logic Pro

• Studio Piano pour le piano principal, et Vintage Electric Piano si vous cherchez une couleur de cabaret plus tardive.
• Studio Horns pour les cuivres de la version orchestrée, et Studio Strings pour un contrechant de salon.
• Quick Sampler pour charger un enregistrement de piano droit maison, en gardant à l’esprit qu’il ne découpe une boucle en tranches qu’en mode Slice.
• Le Bitcrusher, le Channel EQ et le Vintage EQ Collection pour fabriquer le grain d’époque sans plug-in tiers.
• ChromaGlow, arrivé avec Logic Pro 11, pour une saturation de type lampe très douce sur le bus de piano : il exige un Mac équipé d’une puce Apple silicon.

Boucles et banques

• Splice, par abonnement, avec une licence qui vous autorise à utiliser les sons dans vos productions commerciales.
• Loopmasters et Sample Magic, achat à l’unité, licence libre de droits à vérifier pack par pack.
• Black Octopus Sound et The Drum Broker pour les percussions et les textures, plutôt orientés musiques actuelles.
• Freesound pour les bruits de salle, de mécanique et de surface, sous licences Creative Commons qu’il faut lire une par une.
• Looperman pour dépanner, en sachant que les conditions y varient d’un contributeur à l’autre.

Instruments virtuels

• Arturia pour ses pianos et claviers modélisés, dont plusieurs modèles anciens.
• Native Instruments pour ses pianos échantillonnés et ses instruments de caractère.
• Spitfire LABS, gratuit, qui propose régulièrement des pianos usés et des cordes de chambre.
• Spectrasonics si vous voulez injecter le vocabulaire du rag dans une production moderne.

Grain et caractère

• iZotope Vinyl, gratuit, pour le bruit de surface et le fléchissement de vitesse : c’est un plug-in tiers, Logic n’en contient pas d’équivalent direct.
• XLN Audio RC-20 Retro Color pour le grain, le bruit et les défauts de bande, à doser très bas.
• AudioThing pour ses émulations de supports anciens.
• Et pour construire le reste de votre installation, le cours Équipez votre home studio détaille les choix de clavier maître et de carte son.

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Lexique du ragtime

• RagPièce pour piano en trois ou quatre thèmes de seize mesures, écrite, syncopée et jouée en valeurs égales.
• SyncopeAccent placé sur un temps faible ou entre deux temps, qui contredit la pulsation sans la déplacer.
• Oum-pahNom familier de la main gauche alternée du rag : une basse sur les temps forts, un accord sur les temps faibles.
• TrioTroisième thème d’un rag ou d’une marche, presque toujours énoncé dans la tonalité de la sous-dominante.
• CakewalkDanse syncopée née dans les plantations du Sud des États-Unis, devenue numéro de scène et ancêtre commercial du ragtime.
• Dominante secondaireAccord de septième qui appelle un degré autre que la tonique, et dont l’enchaînement en quintes descendantes fait tout le moteur harmonique du rag.
• CadenceFormule d’accords qui conclut une phrase, ici presque toujours une résolution de la dominante vers la tonique en fin de thème.
• Novelty pianoProlongement du ragtime dans les années 1920, plus rapide, plus chromatique et conçu pour le disque et le rouleau mécanique.

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Six morceaux clés, tempo et ce qu’il faut écouter

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Labels, droits et synchronisation

L’histoire éditoriale du ragtime commence avec des éditeurs de partitions, pas avec des labels de disques. John Stark, installé à Sedalia puis à Saint-Louis, a publié Joplin, James Scott et Joseph Lamb en assumant un catalogue exigeant, quand la grande édition new-yorkaise vendait des chansons syncopées bien plus simples et plus rentables. Le disque n’arrive qu’après coup, et les labels qui comptent sont ceux du revival : Good Time Jazz et Riverside dans les années 1950, Nonesuch et Angel dans les années 1970, puis aujourd’hui de petites structures indépendantes comme Rivermont, spécialisée dans ce répertoire.

Domaine public, arrangement et licence mécanique

Le ragtime historique est un répertoire de domaine public, ce qui simplifie beaucoup de choses et en complique quelques-unes. Voici ce qu’il faut retenir avant de publier un enregistrement.

• En France, une œuvre entre dans le domaine public soixante-dix ans après la mort de son auteur : les rags de Scott Joplin, mort en 1917, y sont depuis longtemps, comme ceux de James Scott, mort en 1938.
• Domaine public ne veut pas dire absence de formalités : déclarez tout de même votre enregistrement et les œuvres qu’il contient auprès de la Sacem, qui saura vous dire si une autorisation de la SDRM est nécessaire pour fabriquer des supports.
• Une œuvre du domaine public ne génère pas de droits d’auteur pour son compositeur, mais votre interprétation, elle, vous appartient : vous êtes titulaire de droits voisins sur votre propre enregistrement.
• Un arrangement original d’une œuvre du domaine public est protégé pour son auteur : reprendre l’orchestration de fanfare écrite par un arrangeur contemporain n’est pas la même chose que jouer la partition de Joplin.
• Attention à l’édition que vous utilisez : certaines partitions modernes sont des révisions protégées, même si l’œuvre sous-jacente ne l’est plus.
• Les enregistrements, eux, sont protégés séparément de l’œuvre : la durée de protection d’un phonogramme (l’enregistrement lui-même, par opposition à la partition) est de soixante-dix ans à compter de sa publication, de sorte qu’un disque de 1970 reste protégé aujourd’hui.
• Vous ne pouvez donc pas prélever un extrait d’un enregistrement récent d’un rag sous prétexte que la composition est libre : le producteur et les interprètes ont leur mot à dire.
• Pour la synchronisation, à l’image, le ragtime est très demandé (films d’époque, animation, publicité) et un enregistrement maison d’une œuvre du domaine public est commercialement précieux, parce qu’il évite la négociation avec un éditeur.
• Négociez alors deux choses distinctes : le droit d’utiliser votre enregistrement et, s’il y a lieu, l’autorisation relative à un arrangement encore protégé.
• Enfin, méfiez-vous des affirmations toutes faites : les durées et les règles varient d’un pays à l’autre, un morceau libre en France ne l’est pas automatiquement ailleurs, et en cas de doute la Sacem reste l’interlocuteur à saisir avant publication.

Et pour donner de la visibilité à vos morceaux, la formation Final Cut Pro, EPK et site web pour musiciens couvre le montage de vos clips, votre EPK et votre site d’artiste.

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Une playlist pour écouter le ragtime

Pour passer de la lecture à l’écoute, YouTips a tiré de cette fiche une playlist Apple Music : 30 titres dans l’ordre chronologique, un par artiste, choisis à partir des artistes de cette fiche. Le bouton « Écouter ici » ouvre le lecteur sans quitter la page.

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Les 100 artistes qui ont fait le ragtime

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Questions fréquentes

Le ragtime est-il du jazz ?

Non, mais il en est l’un des ancêtres directs. Le ragtime est une musique écrite, jouée telle qu’elle est notée, en valeurs égales et sans improvisation, tandis que le jazz repose sur le swing et sur l’invention de l’interprète. Des pianistes des années 1910 et 1920, Jelly Roll Morton au premier rang, ont fait le pont entre les deux. Sur les plateformes, les rags sont classés tantôt en jazz, tantôt en musique classique, ce qui entretient la confusion.

Quel est le tempo du ragtime ?

Entre 80 et 100 BPM à la noire dans la plupart des cas, soit nettement plus lent que ce que laissent croire les rouleaux de piano mécanique et les versions de dessin animé. Joplin a fait imprimer sur plusieurs de ses partitions une mise en garde explicite contre les tempos rapides. Le repère pratique est simple : si vos doubles-croches deviennent illisibles, vous jouez trop vite.

Quelle est la différence entre le ragtime et le stride ?

Les deux partagent la main gauche alternée, mais le stride, né à Harlem dans les années 1920, va plus vite, saute plus loin dans le grave et, surtout, improvise. Le ragtime rend une partition ; le stride s’en sert comme d’une base pour varier à chaque reprise. James P. Johnson, Willie « The Lion » Smith et Fats Waller en sont les figures principales, et tous avaient commencé par jouer des rags.

Quels sont les morceaux de ragtime les plus connus ?

« The Entertainer » et « Maple Leaf Rag » de Scott Joplin dominent très largement, le premier grâce au film L’Arnaque en 1973 et à sa bande originale primée l’année suivante. Viennent ensuite « Frog Legs Rag » de James Scott, « Harlem Rag » de Tom Turpin, et « Kitten on the Keys » de Zez Confrey, qui relève déjà du novelty piano. Les six titres du tableau ci-dessus constituent un bon parcours d’entrée.

Le ragtime est-il difficile à jouer au piano ?

Il est exigeant plus qu’il n’est virtuose. La difficulté ne vient pas de la vitesse mais de l’indépendance des mains : il faut tenir une main gauche parfaitement régulière pendant que la main droite joue systématiquement à côté. « The Entertainer » reste accessible à un pianiste de niveau intermédiaire, à condition de travailler très lentement et main gauche seule au départ. Les six exercices de School of Ragtime, publiés par Joplin en 1908, restent le meilleur point d’entrée technique.

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Sources

• Rudi Blesh et Harriet Janis, They All Played Ragtime, Alfred A. Knopf, 1950.
• Edward A. Berlin, Ragtime : A Musical and Cultural History, University of California Press, 1980.
• Edward A. Berlin, King of Ragtime : Scott Joplin and His Era, Oxford University Press, 1994.
• David A. Jasen et Trebor Jay Tichenor, Rags and Ragtime : A Musical History, Seabury Press, 1978.
• Scott Joplin, School of Ragtime : Six Exercises for Piano, publié à compte d’auteur, 1908.
• Notices discographiques Discogs et fiches Wikipédia et Wikidata consultées pour les dates de publication et d’enregistrement.
• Documentation Apple de Logic Pro et de MainStage pour les instruments, les plug-ins et les valeurs de quantification.