Dua Lipa

Mis à jour le 26 août 2026

Sorti le 27 mars 2020, Future Nostalgia a remis au centre de la pop une idée que la décennie précédente avait largement délaissée : une chanson peut tenir sur une ligne de basse plutôt que sur une nappe d’accords. La plupart des titres de l’album reposent sur une pulsation à quatre temps, une basse placée au premier plan du mixage et un arrangement volontairement dégarni. Pour qui travaille seul en home studio, le disque est un cas d’école : peu d’éléments, beaucoup de groove, et des choix de production qui s’expliquent un par un.

L’artiste

Dua Lipa est née le 22 août 1995 à Londres, de parents kosovars albanais originaires de Pristina ; son père, Dukagjin Lipa, était chanteur et guitariste du groupe de rock kosovar Oda. Elle publie un premier album éponyme le 2 juin 2017, et reçoit en 2019 le Grammy du meilleur nouvel artiste. Future Nostalgia paraît le 27 mars 2020 et obtient le Grammy du meilleur album vocal pop l’année suivante. Un troisième album, Radical Optimism, suit le 3 mai 2024. Les analyses qui suivent portent uniquement sur Future Nostalgia et sur ses singles.

Écrire une chanson à partir de la basse

Don’t Start Now, publié le 31 octobre 2019, ouvre le cycle de l’album. Le morceau est produit par Ian Kirkpatrick et coécrit par Dua Lipa, Caroline Ailin, Emily Warren et Kirkpatrick. Il est en si mineur, à quatre temps, autour de 124 BPM. Sa particularité tient à ce que la ligne de basse y tient le rôle habituellement dévolu aux accords : elle porte le mouvement harmonique, la mélodie secondaire et le groove à elle seule.

Cette basse n’est pas jouée sur un instrument à cordes. Kirkpatrick a expliqué à la presse spécialisée qu’elle est entièrement en MIDI, jouée au clavier puis éditée note à note sur un instrument virtuel de basse électrique, complétée par un sub généré par synthèse. Le pont ajoute une couche de slap, et une sous-octave double la partie principale sur l’ensemble du morceau.

La leçon d’écriture est là : la partie de basse a été composée comme un thème, avec ses silences, ses notes fantômes et son propre dessin rythmique, avant que quoi que ce soit d’autre ne vienne s’y greffer. On retrouve la même hiérarchie ailleurs sur le disque. Levitating, produit par Koz et Stuart Price, doit une part de son élan au groove de basse. Love Again, produit par Koz, est en fa dièse mineur à 116 BPM et construit lui aussi sa progression depuis le grave, sous un sample de My Woman d’Al Bowlly enregistré en 1932. Break My Heart, produit par Andrew Watt et The Monsters & Strangerz, s’ouvre sur une basse rebondissante et interpole Need You Tonight d’INXS, ce qui vaut à Andrew Farriss et Michael Hutchence de figurer parmi les auteurs crédités.

Tempo de danse, guitare étouffée, arrangement dégarni

Le cœur dansant de l’album se situe dans une fourchette étroite : Love Again à 116 BPM, Don’t Start Now autour de 124 BPM. C’est la zone où une pulsation à quatre temps se marche naturellement, celle du disco de la fin des années 1970 et de la house qui en a hérité. Tout le disque n’y est pas : Levitating tourne plutôt autour de 103 BPM, ce qui lui donne un balancement plus lourd, plus proche du funk que du club. Choisir son tempo avant d’écrire, plutôt qu’après, oriente déjà l’écriture des parties.

La guitare rythmique joue ici son rôle disco historique : des accords étouffés, joués court, placés en contretemps, et surtout vidés de leurs graves pour ne pas empiéter sur la basse. Techniquement, l’effet repose sur trois choses : des accords de septième ou de neuvième joués sur les cordes aiguës, une main droite qui étouffe la corde entre chaque frappe pour raccourcir la résonance, et un filtre passe-haut assez haut placé au mixage. La guitare devient alors une percussion harmonique, pas un lit d’accords.

L’économie de l’arrangement mérite une nuance utile. À l’écoute, on identifie quatre ou cinq éléments : batterie, basse, guitare ou nappe courte, voix, quelques ponctuations. Dans la session, le rapport est tout autre — Kirkpatrick évoque près d’une centaine de pistes dans le mixage de travail de Don’t Start Now. L’économie n’est donc pas celle du nombre de pistes, mais celle des rôles : chaque empilement de couches sert un seul rôle audible, et aucun rôle ne se dédouble. C’est un objectif atteignable en home studio, où la tentation inverse — ajouter un rôle de plus à chaque écoute — est la principale cause d’arrangements confus.

Le sidechain : loger la basse sous la grosse caisse

Une basse au premier plan et une grosse caisse marquée sur les quatre temps se disputent la même zone du spectre, entre 40 et 100 Hz environ. Sans traitement, chaque coup de grosse caisse fait gonfler le bas du mixage et la basse perd sa définition. La réponse classique est le sidechain : faire baisser brièvement le niveau de la basse à chaque frappe de grosse caisse, pour qu’elles ne se superposent jamais tout à fait.

Le principe ne dépend d’aucun logiciel en particulier. Il se met en place partout de la même façon : un compresseur avec entrée de déclenchement externe alimentée par la grosse caisse, ou une automation de volume répétée à la noire. Ce qui compte, ce sont les réglages — une attaque très courte pour que le creux arrive avec la frappe, un retour calé sur le tempo pour que la basse soit revenue à plein niveau avant le temps suivant, et une profondeur de quelques décibels seulement. Trop de creusement transforme le groove en pompage audible ; c’est l’erreur la plus fréquente sur ce type de morceau. Sur Don’t Start Now, la documentation technique publiée sur la production indique que le même procédé est appliqué à la voix principale, avec un creusement plus discret, pour qu’elle respire elle aussi avec la batterie.

Ce qu’on en retient pour son propre studio

• Commencer par la basse. Écrire d’abord une ligne de basse complète, avec ses silences et son propre dessin rythmique, puis en déduire les accords. La grille cesse d’être un point de départ et devient une conséquence, ce qui donne des enchaînements moins convenus.
• Attribuer un seul rôle à chaque élément. Avant d’ajouter une piste, vérifier qu’elle ne double pas un rôle déjà tenu. Empiler trois sources pour fabriquer une seule basse est légitime ; ajouter une seconde nappe qui répète les accords de la guitare ne l’est pas.
• Choisir le tempo avant d’écrire. Fixer une pulsation à quatre temps entre 110 et 125 BPM change la longueur des notes, la densité des contretemps et la respiration du chant. Décider du tempo après coup oblige à réécrire les parties.

Mettre ces principes en pratique demande de savoir programmer une basse crédible, doser un creusement sidechain et garder un arrangement lisible. Ces gestes sont au programme de la formation Logic Pro et de la formation MAO sur Logic Pro ; le travail de niveau et de spectre entre basse et grosse caisse est abordé plus en détail dans la formation Logic Pro Mixage et Mastering. Pour commencer sans rien dépenser, le cours en ligne gratuit Bien démarrer sur Logic Pro pose les bases du séquenceur, et Équipez votre home studio aide à choisir une écoute capable de restituer honnêtement le bas du spectre. Sur la généalogie de cette esthétique, deux autres fiches prolongent la lecture : Nile Rodgers pour la guitare rythmique en accords étouffés, et Giorgio Moroder pour la pulsation à quatre temps et la basse séquencée.

Deux morceaux pour comprendre

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