New age

La musique new age est une musique le plus souvent instrumentale, calme et contemplative, apparue aux États-Unis à la fin des années 1960 et devenue une catégorie commerciale dans les années 1980. Elle se reconnaît à des nappes de synthétiseur tenues, à un piano ou une guitare acoustique joués avec beaucoup d’espace, à des flûtes, des harpes et des instruments venus d’Asie, presque toujours sans batterie, et à une harmonie qui flotte au lieu de conclure. Ses ancêtres vont des Gymnopédies d’Erik Satie au disque Music for Zen Meditation de Tony Scott, en 1964 ; son âge d’or passe par les labels Windham Hill et Private Music, par l’émission de radio Hearts of Space et, à partir de 1987, par un Grammy qui lui est réservé. Le mot vient du mouvement spirituel New Age, dont beaucoup de musiciens se sont pourtant tenus à distance : Enya, Vangelis ou Kitaro ont tous récusé ou relativisé l’étiquette, chacun à sa façon. Le genre va du piano solo de George Winston aux voix empilées d’Enya, de la harpe électroacoustique d’Andreas Vollenweider aux tubes mondiaux d’Enigma et du duo français Deep Forest. Longtemps méprisé par la critique, il est revenu par les rééditions, de la compilation I Am the Center en 2013 à Kankyō Ongaku en 2019, et il remplit aujourd’hui les playlists de sommeil et de méditation des plateformes. Cette fiche parle de musique, pas de spiritualité, et elle ne promet aucun effet sur la santé.

• PériodeDe la fin des années 1960 à aujourd’hui, avec un âge d’or commercial de 1980 à 2000
• FoyerCalifornie, puis l’Europe (Allemagne, Suisse, Irlande, France) et le Japon
• TempoLent ou libre, souvent sans pulsation ; le motif rythmé de cette fiche est à 84 BPM
• RythmeLe plus souvent sans batterie ; quand une pulsation existe, elle est confiée à des percussions à main, un shaker ou un piano en arpèges
• InstrumentsSynthétiseurs, piano, guitare acoustique, flûte, harpe, koto, sitar, voix empilées, sons de la nature

Trois albums pour entrer dans la musique new age

↑ Retour au sommaire

Qu’est-ce que la musique new age ?

La musique new age est un genre musical né aux États-Unis à la fin des années 1960, conçu pour installer le calme, la rêverie ou la concentration plutôt que pour faire danser ou raconter une histoire. Wikipédia en anglais le résume ainsi : il n’en existe « aucune définition exacte ». Beaucoup y voient une étiquette de marketing plutôt qu’une catégorie musicale. On peut pourtant la décrire : une musique surtout instrumentale, lente, aux dynamiques douces, sans accords brusques ni longues improvisations, jouée au piano, à la guitare acoustique, à la flûte, à la harpe ou au synthétiseur, souvent mêlée de sons de la nature ou d’instruments non occidentaux. En 1987, le magazine Billboard y voyait « la musique sans définition qui a eu le succès le plus surprenant de toute l’histoire ».

Ce qui existait avant

L’ancêtre le plus souvent cité est français. En 1888, Erik Satie achève ses trois Gymnopédies pour piano, des pièces lentes à trois temps ; la première, marquée « Lent et douloureux », commence par l’alternance de deux accords de septième majeure qui ne vont nulle part. On y entend déjà l’idée centrale du new age : une musique qui tourne sur elle-même, sans drame.

Les vrais premiers disques arrivent dans les années 1960. En février 1964, le clarinettiste de jazz Tony Scott enregistre pour Verve Music for Zen Meditation avec Shinichi Yuize au koto, une cithare japonaise, et Hōzan Yamamoto au shakuhachi, une flûte de bambou : Wikipédia le considère comme le premier disque new age. Le 25 avril 1968, le flûtiste Paul Horn joue seul, le soir, à l’intérieur du Taj Mahal, et le disque qui en sort, Inside, publié en 1969, s’écoulera à plus d’un million d’exemplaires.

L’autre source est électronique et allemande. Au début des années 1970, Tangerine Dream, Klaus Schulze ou Popol Vuh inventent une musique cosmique, faite de séquences de synthétiseur qui tournent pendant vingt minutes et de nappes qui semblent ne jamais finir. En 1975, Klaus Schulze conseille un jeune claviériste japonais sur l’usage des synthétiseurs : le futur Kitaro. Peter Baumann, ancien membre de Tangerine Dream, fondera en 1984 le label Private Music. Et deux disques européens, Tubular Bells de Mike Oldfield en 1973 et Oxygène de Jean-Michel Jarre en 1976, sont aujourd’hui rangés, parmi d’autres étiquettes, sous celle de new age.

La naissance du genre

Le genre prend forme en Californie au milieu des années 1970. En 1975, le compositeur d’origine grecque Iasos publie Inter-Dimensional Music, et Steven Halpern une première version de Spectrum Suite : deux disques considérés comme fondateurs. Halpern, qui publie ses disques sur son propre label, dépasse le million d’albums vendus en dix ans : selon le journaliste John Diliberto, c’est lui qui a « ouvert le marché ».

Deux institutions donnent au genre ses canaux. En 1973, Stephen Hill lance à Berkeley, sur la radio KPFA, une émission de nuit de trois heures, Music from the Hearts of Space. Elle passe en 1983 sur les radios publiques américaines et dépasse les deux cents stations en trois ans. En 1976, à Palo Alto, le guitariste William Ackerman et Anne Robinson fondent Windham Hill pour publier le premier disque d’Ackerman, financé par des amis. Le pianiste George Winston y enregistre Autumn en 1980, puis December en 1982, vendu à un million d’exemplaires. En 1981, un disquaire Tower Records de Californie crée un bac « new age » : le mot devient un rayon.

La vague déferle au milieu des années 1980. Narada naît en 1983, Private Music en 1984. Les grandes maisons suivent : Kitaro signe en 1985 un accord de distribution mondiale avec Geffen, et au début de 1986 la plupart des majors ont des artistes new age. En 1987, le premier Grammy du meilleur enregistrement new age récompense Down to the Moon du harpiste suisse Andreas Vollenweider. À la fin de 1989, plus de cent cinquante petits labels indépendants publient ce répertoire.

D’où vient le mot

« New age » signifie « nouvel âge ». L’expression vient du mouvement spirituel New Age, né dans les années 1970 dans la contre-culture américaine, qui annonce une ère de conscience élargie et mêle méditation orientale, écologie et médecines dites alternatives. La musique a hérité du nom parce qu’elle était vendue dans les mêmes lieux et écoutée pour le yoga ou la méditation. Mais Wikipédia le souligne : la plupart de ses artistes « n’ont rien à voir » avec cette spiritualité, et beaucoup rejettent le terme.

Les refus sont célèbres. Vangelis jugeait que le style avait donné « à des gens sans talent l’occasion de faire une musique très ennuyeuse ». Le pianiste Harold Budd disait sortir son revolver en entendant le mot, et Enya affirmait en 1989 qu’« il n’existe pas de catégorie » pour sa musique. Kitaro, plus diplomate, laisse chacun dire ce qu’il veut et parle de « la musique de Kitaro ». En 1986, le magazine Time parlait de « musique d’ascenseur pour yuppies ». En France, on dit « la musique new age » ou « le new age », au masculin.

Une mutation plutôt qu’une fin

Dans les années 1990, le new age devient un phénomène de masse en se mêlant à la pop. Enigma, le projet du producteur Michael Cretu, sort « Sadeness (Part I) » le 1er octobre 1990 : des chants grégoriens sur un rythme lent de hip-hop, numéro un au Royaume-Uni le 13 janvier 1991 et plus de cinq millions d’exemplaires vendus. Le duo français Deep Forest publie son premier album en 1992, Era, le projet d’Éric Lévi, publie en 1996 un premier disque vendu à plus de six millions d’exemplaires, et le duo Secret Garden gagne l’Eurovision 1995 pour la Norvège avec « Nocturne », un morceau où l’on ne chante que vingt-cinq mots.

Le genre se replie ensuite sur des niches, la méditation, la relaxation, les chants sacrés, avant de revenir par la petite porte. Dans les années 2000, de jeunes musiciens venus du bruit, comme Emeralds ou Oneohtrix Point Never, reprennent ses synthétiseurs à leur compte. En 2013, la compilation I Am the Center exhume les disques autoproduits de l’Amérique des années 1950 à 1990, et en 2019 Kankyō Ongaku fait découvrir la musique environnementale japonaise. En 2023, le Grammy change de nom pour devenir celui du meilleur album « new age, ambient ou chant ».

↑ Retour au sommaire

La musique new age en sept dates

1. 1964Le premier disqueTony Scott enregistre en février Music for Zen Meditation pour Verve, avec un koto et un shakuhachi : un disque de jazz méditatif que Wikipédia considère comme le premier disque new age.
2. 1968Une flûte sous un dômeLe 25 avril, Paul Horn enregistre sa flûte à l’intérieur du Taj Mahal ; publié en 1969, Inside dépassera le million d’exemplaires.
3. 1975Les fondateurs californiensIasos publie Inter-Dimensional Music et Steven Halpern une première version de Spectrum Suite, sur son propre label.
4. 1976Windham HillWilliam Ackerman et Anne Robinson fondent le label à Palo Alto ; George Winston y publiera Autumn en 1980 et December en 1982.
5. 1987La reconnaissance officiellePremier Grammy du genre, remis à Andreas Vollenweider pour Down to the Moon ; le 14 février, la radio KTWV de Los Angeles passe en programmation new age.
6. 1988WatermarkEnya publie son album le 19 septembre ; « Orinoco Flow » reste trois semaines numéro un au Royaume-Uni.
7. 2019La redécouverte japonaiseLe 15 février, Light in the Attic publie Kankyō Ongaku, compilation de musique environnementale japonaise des années 1980, nommée l’année suivante au Grammy du meilleur album historique.

↑ Retour au sommaire

Le morceau pour comprendre

Il s’agit de « Orinoco Flow », d’Enya, premier extrait de l’album Watermark, sorti en octobre 1988 chez WEA. La chanteuse irlandaise, membre du groupe familial Clannad de 1980 à 1982, l’a quitté avec Nicky et Roma Ryan, qui en étaient les managers : lui produit et arrange ses disques, elle en écrit les paroles, et Enya y joue les claviers et chante toutes les voix. Le titre fait à la fois allusion aux studios Orinoco de Londres, où le disque a été réenregistré et mixé, et au fleuve d’Amérique du Sud. Le 45 tours reste trois semaines numéro un au Royaume-Uni et monte à la 24e place aux États-Unis en 1989.

Ce n’est pas un morceau new age typique : il est chanté, il dure un peu plus de quatre minutes et il a un refrain. Mais il contient presque tout le vocabulaire du genre, et c’est ce qui en fait une bonne porte d’entrée. Écoutez d’abord les accords en pizzicato, ces cordes pincées qui ouvrent le morceau : ils ne viennent pas d’un orchestre, mais d’un son personnalisé sur un synthétiseur Roland D-50. Écoutez ensuite les voix : Enya empile sa propre voix des dizaines de fois, jusqu’à en faire un chœur, et sur certains passages de l’album on compte plus de deux cents pistes de voix. Écoutez enfin l’espace : chaque son baigne dans une réverbération généreuse. Pas de tension : la chanson avance comme un bateau, sans à-coups, et c’est ce calme qui la rattache au new age.

↑ Retour au sommaire

Les caractéristiques musicales

Le rythme

Le premier trait rythmique du new age est une absence : la plupart des disques du genre n’ont pas de batterie. Selon Wikipédia, une musique destinée à la méditation garde des dynamiques et des textures « répétitives, sans accords soudains et forts ni improvisation ». La pulsation, quand elle existe, vient d’ailleurs : des arpèges de piano chez George Winston, des motifs de guitare picking chez William Ackerman ou Michael Hedges, des séquences de synthétiseur héritées de l’électronique allemande chez Kitaro ou Tangerine Dream. Beaucoup de pièces sont jouées rubato, avec un tempo libre qui suit la respiration de l’interprète : parler de BPM n’a alors pas grand sens.

Une partie du répertoire a pourtant une pulsation, surtout à partir des années 1980 et 1990, quand le genre rencontre la pop et les musiques du monde. Les percussions sont alors douces : percussions à main, shaker, coup de baguette sur le cercle de la caisse claire, grosse caisse feutrée.

Voici un motif de « new age rythmé », celui des titres qui ont une pulsation, sur une mesure de quatre temps, notée 4/4, découpée en seize doubles-croches, à 84 BPM (battements par minute). Chaque case est un pas, numéroté de 1 à 16 ; les temps tombent sur les pas 1, 5, 9 et 13. La grosse caisse, légère, marque le premier temps, puis plus doucement le troisième (pas 9). Le cercle de la caisse claire, un son sec et boisé qu’on obtient en frappant le bord du fût, répond sur les deuxième et quatrième temps (pas 5 et 13). Le shaker joue toutes les croches, un peu plus fort sur les temps. Une percussion à main, comme un bongo ou un bloc de bois, glisse trois notes de plus en plus faibles dans la seconde moitié de la mesure, aux pas 7, 11 et 15. Les cases en pointillés signalent la variante. C’est une synthèse, pas la transcription d’un morceau précis.

Écoutez le motif seul, puis cochez la variante : une grosse caisse au pas 11 et une percussion au pas 16 suffisent à donner de l’élan à la fin de la mesure sans rien brusquer. Le lecteur joue droit, chaque double-croche exactement à sa place. Dans Logic Pro, un réglage Q-Swing autour de 54 %, à peine au-dessus des 50 % du jeu droit, retarde très légèrement les doubles-croches paires et donne au shaker un balancement presque imperceptible, plus proche d’un percussionniste que d’une machine.

L’harmonie

L’harmonie du new age cherche la couleur plutôt que la tension. Dans la musique tonale classique, un accord de dominante appelle une résolution, comme une phrase qui attend son point. Le new age évite volontiers ce mouvement : il préfère des accords qui peuvent durer, se répondre et revenir sans jamais conclure. Trois procédés reviennent sans cesse. Le premier est le mode, une gamme qui a sa propre couleur : le mode lydien, une gamme majeure dont la quatrième note est montée d’un demi-ton, donne un sentiment de lumière et d’apesanteur ; le mode dorien, un mineur à la sixte majeure, sonne grave sans être triste. Le deuxième est la note pédale, une note tenue à la basse pendant que les accords changent au-dessus. Le troisième est l’accord suspendu, dont la tierce, la note qui dit majeur ou mineur, est remplacée par la seconde ou la quarte : il sonne en attente.

Dans les chiffres romains ci-dessous, chaque chiffre désigne un accord par sa place dans la gamme, en minuscules quand il est mineur, en majuscules quand il est majeur ; une barre oblique, comme dans « II/I », indique un accord joué sur une autre note de basse. Les noms d’accords sont notés à l’anglaise : A vaut la, B si, C do, D ré, E mi, F fa, G sol ; « m » signifie mineur, « maj7 » une septième majeure, « sus2 » et « sus4 » un accord suspendu, et « G/F » un accord de sol joué sur une basse de fa. Les grilles sont en fa, sauf la quatrième, en ré dorien, sur quatre mesures, un accord par mesure. Écoutez-les lentement, puis ajoutez la percussion du motif.

L’instrumentation

Le new age a deux visages, l’un acoustique, l’autre électronique, que beaucoup d’artistes mêlent.

• Le piano solo, joué avec la pédale de résonance, celle qui laisse sonner les cordes après que la touche est relâchée : c’est le son de George Winston ou de Liz Story chez Windham Hill, et plus tard de Ludovico Einaudi.
• La guitare acoustique en picking, les cordes pincées une à une avec les doigts : William Ackerman, Alex de Grassi et Michael Hedges en ont fait la signature de Windham Hill.
• Les synthétiseurs, pour les nappes tenues et les séquences. Kitaro compose la musique de La Route de la soie surtout sur un Minimoog et des Korg, et Vangelis fait de son Yamaha CS-80 l’instrument de sa carrière, pour son vibrato qui répond à la pression des doigts sur les touches.
• Les instruments non occidentaux : koto et shakuhachi chez Tony Scott, sitar, tabla et tanpura indiens, chants inspirés des traditions amérindiennes ou tibétaines.
• La harpe, celtique chez Loreena McKennitt, électroacoustique et modifiée par lui-même chez Andreas Vollenweider.
• Les sons de la nature, vagues, pluie, oiseaux, baleines ou loups : Dean Evenson a été l’un des premiers à les mêler à une musique paisible.
• La réverbération, enfin, qui n’est pas un effet mais un instrument.

La voix et la forme

À l’origine, le new age est presque entièrement instrumental. La voix arrive par trois portes. La première est le chant sans paroles ou dans une langue que l’auditeur ne comprend pas : mantras sanskrits, chants inspirés des traditions amérindiennes ou tibétaines, latin, gaélique. Clannad chante en irlandais, Era dans une langue inventée inspirée du latin. La deuxième est la voix empilée, une même chanteuse enregistrée des dizaines de fois jusqu’à former un chœur, dont Enya a fait sa marque. La troisième est l’échantillon, un fragment de voix enregistrée réutilisé, comme les moines d’Enigma ou la berceuse des îles Salomon de Deep Forest.

La forme est souvent ouverte : un thème exposé, varié, repris, sans couplet ni refrain, sur des durées qui vont de trois minutes à plusieurs dizaines. Les musiques de méditation s’étirent : Steven Halpern a conçu des enregistrements continus jusqu’à huit heures. Les disques pensés pour la radio, d’Enya à Secret Garden, reviennent au format de la chanson.

Exercice d’écoute

Écoutez « Orinoco Flow » d’Enya, puis un extrait d’Inside de Paul Horn, puis « Sadeness (Part I) » d’Enigma, et répondez avant de lire la suite.

• Question 1 : les cordes pincées qui ouvrent « Orinoco Flow » sont-elles jouées par un orchestre ?
• Question 2 : dans Inside, combien de temps vous semble durer l’écho après une note de flûte ou un chant ?
• Question 3 : la batterie lente de « Sadeness (Part I) » est-elle jouée pour le morceau par un batteur ?

Les réponses, à ne lire qu’après.

• Réponse 1 : non. C’est un son de synthétiseur Roland D-50 personnalisé, qui imite des cordes pincées. Ce que vous apprenez : un timbre d’instrument imité mais assumé peut devenir la signature d’un disque, à condition d’être réglé avec soin plutôt que pris tel quel.
• Réponse 2 : très longtemps. Paul Horn a décrit un écho ininterrompu de vingt-huit secondes quand le gardien chantait sous le dôme de marbre. Ce que vous apprenez : dans le new age, l’espace fait partie de la composition, et une note bien placée dans une grande réverbération vaut mieux que dix notes serrées.
• Réponse 3 : non. Le rythme principal est une boucle reprise d’un titre de Soul II Soul, « Keep On Movin’ », avec un court roulement tiré de James Brown. Ce que vous apprenez : le new age des années 1990 s’est construit avec les outils du hip-hop, l’échantillonneur et la boucle, et avec les problèmes juridiques qui vont avec.

↑ Retour au sommaire

New age, ambient et néo-classique : ce qui les sépare

Ces étiquettes se recouvrent largement, partagent des artistes et parfois les mêmes disques ; quelques repères permettent pourtant de s’y retrouver.

New age et ambient : quelle différence ?

L’ambient est né d’une idée de compositeur : en 1978, Brian Eno définit une musique « aussi facile à ignorer qu’intéressante à écouter », pensée comme un environnement. Le new age est né d’un usage : une musique faite pour détendre, accompagner la méditation ou le yoga, et vendue comme telle. Dans la pratique, la différence s’entend surtout dans la mélodie et dans l’intention. Le new age assume des mélodies consonantes, un piano qui chante, des harmonies rassurantes et une promesse de bien-être ; l’ambient travaille la texture, la durée et l’espace, et se méfie de toute promesse. Les frontières restent poreuses : Laraaji a publié en 1980 Day of Radiance dans la série Ambient d’Eno, et Pitchfork voit aujourd’hui en lui une figure majeure de l’histoire de l’ambient comme du new age ; la compilation Kankyō Ongaku met les deux mots dans son titre ; et depuis 2023, le même Grammy récompense le meilleur album « new age, ambient ou chant ».

New age et néo-classique

Le néo-classique vient de la salle de concert, le new age de la méditation et des labels indépendants. Les deux se rejoignent au piano solo. Quand Ludovico Einaudi publie en 1996 son premier album de piano seul, Le Onde, inspiré du roman Les Vagues de Virginia Woolf, un critique du site Classicalite estime qu’il serait plus juste de rattacher sa musique au mouvement New Age. Apple Music, de son côté, le range en musique instrumentale.

New age et musique électronique : le cas Jean-Michel Jarre

Oxygène, enregistré en 1976 dans l’appartement parisien de Jean-Michel Jarre avec un ARP 2600, un orgue Eminent 310 et une boîte à rythmes Korg Mini-Pops 7, s’est vendu à quinze millions d’exemplaires au moins. Wikipédia le classe à la fois en musique électronique, ambient, synthpop, space music et new age, et explique ce dernier rapprochement par ses références à la Terre et à la biosphère. La critique, elle, le traite comme une œuvre majeure de la musique électronique : AllMusic y voit l’un des tout premiers albums de musique électronique, et Music Week en faisait en 1977 une « version française » du travail de Mike Oldfield. La réponse honnête est donc : les deux. Par sa méthode, des séquences, une boîte à rythmes, des mélodies qui se retiennent, Jarre est un pionnier de l’électronique populaire ; par son public, ses thèmes et sa place dans les bacs, il a été rangé dans le new age, comme Vangelis, qui récusait pourtant le mot.

New age et musique de relaxation

Spotify appelle « musique fonctionnelle » les sons de sommeil, le piano léger, les rythmes de méditation et les bruits non musicaux, écoutés en fond pour se concentrer ou se détendre. Une partie de cette production descend du new age, mais elle s’en distingue par l’absence de signature : des morceaux interchangeables, pensés pour une playlist plutôt que pour un album. Le new age de Windham Hill ou d’Enya est une musique d’auteur ; la musique de relaxation, un produit d’usage.

↑ Retour au sommaire

Sous-genres et scènes

• Space musicDepuis les années 1970La « musique de l’espace » de l’émission Hearts of Space, que Stephen Hill définit comme toute musique « au rythme généralement lent et à l’image sonore qui crée de l’espace ».Lire la fiche Ambient
• Musique cosmique et électronique plananteDepuis le début des années 1970Les séquences et les nappes de Tangerine Dream et de Klaus Schulze, prolongées par Kitaro, Vangelis, Jean-Michel Jarre ou Steve Roach.Lire la fiche Rock progressif
• New age acoustiqueDepuis 1976, sommet dans les années 1980Le piano solo et la guitare en picking de Windham Hill, de George Winston à Michael Hedges ; en 1983, Billboard parlait encore de « jazz doux ».Lire la fiche Jazz
• Musique de méditationDepuis les années 1960Les disques conçus pour la méditation, de Tony Scott à Steven Halpern, Iasos ou Deuter, puis aux mantras de Deva Premal.
• New age celtiqueDepuis 1982Les voix et les harpes venues d’Irlande et d’Écosse, de Clannad, souvent crédité d’avoir ouvert la voie, à Enya, Loreena McKennitt et Celtic Woman.Lire la fiche Musique celtique
• New age « world » et chants sacrésAnnées 1990Des chants grégoriens, africains ou océaniens échantillonnés sur des rythmes lents : Enigma, Deep Forest, Era, Gregorian ou Adiemus.
• Kankyō ongakuJapon, années 1980La musique environnementale japonaise, écrite pour des lieux précis, de Hiroshi Yoshimura à Midori Takada et Satoshi Ashikawa.Lire la fiche Ambient
• Piano néo-classiqueDepuis les années 1990Le piano seul, minimaliste et mélodique, de Ludovico Einaudi et de ses héritiers, voisin du new age par l’humeur, du classique par l’écriture.Lire la fiche Néo-classique
• Nu-new age et renouveauDepuis les années 2000Emeralds, Oneohtrix Point Never, puis Green-House ou Emily A. Sprague, autour de labels comme Leaving Records.

↑ Retour au sommaire

La démarche artistique

Le new age est d’abord une musique d’intention. Là où la plupart des genres se définissent par un rythme ou une instrumentation, celui-ci se définit par ce qu’il veut produire chez l’auditeur : le calme, l’élan, la rêverie, l’optimisme. C’est pourquoi le comité des Grammy juge souvent un disque sur son intention. Pour un compositeur, cette intention change tout : on n’écrit pas pour surprendre, mais pour installer un état et le tenir.

C’est ensuite une musique de la nature et du lieu. Paul Winter enregistre en 1982 Missa Gaia, une « messe pour la Terre » décrite comme un chef-d’œuvre de la conscience écologique du new age, et préfère parler de « musique de la Terre ». Les sons de vagues, d’oiseaux ou de baleines entrent dans les disques.

C’est aussi une musique de l’indépendance. Steven Halpern publie ses disques sur son propre label, Windham Hill naît de l’argent prêté par des amis, Narada d’une vente par correspondance, et la Canadienne Loreena McKennitt fonde en 1985 sa propre maison, Quinlan Road, dont elle est la seule artiste.

C’est enfin une musique qui a souvent été vendue avec des promesses. Steven Halpern défend depuis les années 1970 des théories sur les vertus curatives de la musique, et il a conçu des enregistrements de plusieurs heures pour des personnes en souffrance médicale, pendant un accouchement ou une opération ; l’article de Wikipédia qui lui est consacré ne cite aucune étude clinique à l’appui. Qu’une musique douce aide beaucoup de gens à se détendre est une expérience courante ; qu’elle soigne une maladie ou agisse grâce à une fréquence précise est une affirmation, et une affirmation de santé demande des preuves. Un compositeur peut écrire pour apaiser sans rien promettre de plus, et c’est ce que font la plupart des grands noms du genre.

Sur scène, le new age pose un problème particulier : c’est une musique conçue en studio, faite de nappes superposées, de voix empilées et de réverbérations longues, que peu d’artistes peuvent reproduire à la main. Yanni y répond par l’orchestre, au pied de l’Acropole, Enya en ne partant jamais en tournée. Une alternative consiste à jouer les parties en direct, avec un logiciel de scène. C’est ce que permet MainStage : on empile dans un même patch, le nom que MainStage donne à la configuration d’un morceau, plusieurs instruments répartis par plages de touches, la nappe dans le grave et le piano dans le médium, et on passe d’un morceau à l’autre sans couper le son. Pour ce genre, réglez avec soin le passage d’un patch à l’autre, afin que la queue de réverbération du morceau précédent ne soit pas coupée net. Les nappes et les mélodies se jouent alors à la main, et les parties impossibles à jouer, les voix empilées ou une séquence, peuvent tourner à côté. Attention toutefois : MainStage ne dispose ni de Drummer, ni des Session Players, ni de Flex, ni de l’assistant de mastérisation, ni du séparateur de pistes. La préparation du spectacle se fait dans Logic Pro, et MainStage sert à le jouer.

↑ Retour au sommaire

La musique new age aujourd’hui

En 2026, le new age vit d’abord sur les plateformes. Les playlists de sommeil, de méditation ou de concentration sont remplies de pièces qui en descendent directement. Selon des données de Spotify publiées par The Guardian en septembre 2015, 11,6 % des nouveaux albums parus sur la plateforme une semaine de ce mois-là relevaient déjà du sommeil et de la relaxation. L’afflux est tel qu’en 2024 Spotify a annoncé travailler avec les ayants droit pour que les enregistrements de bruit ne soient rémunérés qu’à une fraction de la valeur d’une écoute de musique.

Le genre a aussi été redécouvert par une génération qui ne l’avait pas connu. Les algorithmes de YouTube y ont joué un rôle : mis en ligne en 2013, l’album Through the Looking Glass de Midori Takada, passé inaperçu en 1983, a dépassé le million et demi de vues grâce à la lecture automatique, avant d’être réédité en 2017. Hiroshi Yoshimura a connu la même résurrection à partir de 2017, et Light in the Attic a réédité son album Green en 2020. Laraaji, rencontré par Brian Eno en 1979 alors qu’il jouait de la cithare électrifiée dans un parc de New York, a vu ses disques réédités par Numero Group et joue en 2025 sur un album de Big Thief.

Une scène nouvelle s’en réclame sans complexe. Emily A. Sprague, fondatrice du groupe Florist, publie depuis 2017 des pièces pour synthétiseur modulaire, comme Water Memory. À Los Angeles, Olive Ardizoni, sous le nom de Green-House, sort le 15 janvier 2020 chez Leaving Records Six Songs for Invisible Gardens, six morceaux pensés comme une conversation avec les plantes d’intérieur et ceux qui les soignent.

Le genre traîne aussi ses mythes, au premier rang desquels les fréquences « miracles ». Le diapason de référence place le la du milieu du clavier à 440 Hz ; des vidéos et des playlists « en 432 Hz » promettent qu’un accordage un peu plus bas serait « en accord avec la Terre » et apaiserait le corps. Musicalement, passer de 440 à 432 Hz revient à tout baisser d’environ 32 cents, un tiers de demi-ton. Les études sérieuses sont rares et petites. Une étude de 2019, très petite et sans tirage au sort, a trouvé un pouls un peu plus bas à 432 Hz. Une étude pilote publiée en 2022 auprès de 54 soignants a vu l’anxiété baisser dans les trois groupes, y compris celui qui n’écoutait pas de musique. Un essai de 2025 sur 43 patients atteints de cancer n’a trouvé aucune différence statistiquement significative entre 432 et 443 Hz, et ses auteurs ne peuvent attribuer les effets observés à l’accordage lui-même plutôt qu’au plaisir d’écouter. Dans un article de The Conversation repris en 2026 par PsyPost, Sandra Garrido concluait que l’idée d’une fréquence aux effets particuliers a « peu de soutien scientifique », une musique plus grave pouvant simplement paraître plus calme. Les fréquences dites « solfeggio », comme 528 Hz, ont été tirées dans les années 1970, par l’herboriste Joseph Puleo, de numéros de versets du livre biblique des Nombres ; Science Feedback a jugé en 2022 leurs prétendus effets « non étayés ». Écouter une musique douce pour se détendre reste une excellente idée ; rien ne montre qu’une fréquence précise y ajoute quoi que ce soit.

Faire du new age en 2026 sans tomber dans le papier peint sonore

• Choisissez un son qui vous appartient, un piano enregistré de près, votre voix, un instrument rapporté de voyage, plutôt que la nappe de bibliothèque que des milliers de titres utilisent déjà.
• Écrivez une vraie mélodie : c’est elle qui distingue un morceau d’Enya, de George Winston ou de Kitaro d’une piste de relaxation anonyme.
• Donnez au morceau un lieu, réel ou imaginaire, un dôme, une forêt, une côte, et laissez la réverbération et les sons enregistrés le dessiner.
• Ne promettez rien que la musique ne puisse tenir : « pour se détendre » est honnête, « qui guérit » ne l’est pas, et un accordage en 432 Hz n’apporte aucune vertu prouvée.
• Si vous échantillonnez un chant traditionnel ou sacré, réglez la question des droits et du respect des interprètes avant de publier : la partie « Labels, droits et échantillons » explique pourquoi.

↑ Retour au sommaire

Douze artistes pour commencer

• Paul HornFlûte, Taj Mahal, 1968
• Steven HalpernSpectrum Suite, 1975
• George WinstonPiano, Windham Hill
• KitaroToyohashi, né en 1953
• Andreas VollenweiderHarpe, Grammy 1987
• VangelisGrèce, 1943-2022
• Jean-Michel JarreOxygène, 1976
• EnyaIrlande, Watermark
• Loreena McKennittCanada, Quinlan Road
• Hiroshi YoshimuraYokohama, 1940-2003
• LaraajiCithare, Day of Radiance
• Green-HouseLos Angeles, depuis 2020

Voir les 100 artistes

↑ Retour au sommaire

Composer de la musique new age en home studio

Cette partie suppose que vous savez créer un projet, ajouter une piste d’instrument logiciel et une piste audio, enregistrer une région et éditer des notes dans l’éditeur clavier de Logic Pro. Si ce n’est pas encore le cas, commencez par le cours Bien démarrer sur Logic Pro, puis revenez ici. Pour les accords, voyez le cours Bien démarrer au piano et en harmonie. Tout ce qui suit s’appuie sur les instruments et les effets fournis avec Logic Pro. Studio Piano, un piano virtuel, et ChromaGlow, un effet de saturation, sont apparus avec Logic Pro 11, et ChromaGlow exige un Mac équipé d’une puce Apple silicon.

Prenez les étapes dans l’ordre : on part ici du son et de l’espace avant les notes, parce que dans ce genre c’est la couleur d’une nappe ou d’un piano qui inspire la mélodie. Pour une première séance d’une heure, arrêtez-vous à la fin de l’étape « Le piano qui respire » : une nappe bien réglée et un piano joué avec soin valent mieux qu’un projet de quarante pistes noyé dans la réverbération.

Le tempo, la grille et le temps libre

• Réglez le tempo du projet sur 84 BPM pour retrouver le motif du lecteur ; descendez vers 72 pour une pièce plus contemplative.
• Laissez la signature en 4/4 et activez le mode cycle sur quatre mesures, de la mesure 1 au début de la mesure 5.
• Pour une pièce au tempo libre, désactivez le métronome et ne quantifiez pas.
• Pour les percussions, quantifiez en doubles-croches puis réglez le Q-Swing de la région autour de 54 % : 50 % correspond à un jeu droit, et Q-Swing ne déplace que les doubles-croches de rang pair. La fiche quantification détaille ces réglages.

La nappe

• Chargez ES2 sur une piste d’instrument logiciel et réglez deux oscillateurs en dents de scie, désaccordés de quelques cents l’un par rapport à l’autre : leur léger battement donne la largeur d’un ensemble de cordes.
• Réglez une attaque d’une à deux secondes et un relâchement de trois à cinq secondes, pour que chaque accord entre et sorte comme une marée. La fiche ADSR explique ces réglages.
• Fermez le filtre passe-bas aux deux tiers pour retirer les aigus agressifs.
• Dans le routeur d’ES2, envoyez un LFO très lent vers la fréquence de coupure du filtre, avec une intensité faible : la nappe doit respirer, pas onduler.
• Si vous préférez Retro Synth, gardez-le pour les ondes en dents de scie et en carré : il n’a pas d’onde sinusoïdale, et c’est ES2 qu’il faut charger pour une sous-basse ronde.
• Pour une nappe plus riche, essayez Alchemy et ses quatre sources, A, B, C et D.
• Pour une nappe faite de votre propre son, une voyelle chantée, une note de flûte ou un bol tibétain, glissez l’enregistrement dans Sample Alchemy, apparu avec Logic Pro 10.8.
• Pour des cordes acoustiques tenues, chargez Studio Strings et jouez des notes longues, sans attaque marquée.
• Jouez la grille « Le flottement lydien » en notes tenues, un accord par mesure, et laissez le fa grave sonner sous les deux accords.
• Si vous ne jouez pas du clavier, insérez le MIDI FX Chord Trigger, qui déclenche un accord entier à partir d’une seule touche.

Le piano qui respire

• Chargez Studio Piano, ou le piano acoustique de votre choix, sur une nouvelle piste.
• Branchez une pédale de sustain à votre clavier maître : sans elle, les arpèges sonnent secs et hachés.
• Jouez la main gauche en arpèges réguliers, fondamentale, quinte et octave, et la main droite en mélodie simple, avec beaucoup de silences.
• Ne quantifiez pas le piano ; si une note dépasse vraiment, déplacez-la à la main dans l’éditeur clavier.
• Gardez de grands écarts de vélocité entre les notes de la mélodie et l’accompagnement : c’est la dynamique, plus que les notes, qui donne au piano new age son intimité.

Les percussions douces

• Créez une piste Drum Machine Designer, puis remplacez les sons des pads par des percussions à main, un shaker et un cercle de caisse claire, pris dans la bibliothèque ou enregistrés par vous : glisser un fichier audio sur un pad suffit.
• Créez sur cette piste une région de motif, le type de région qu’édite le Step Sequencer, l’éditeur pas à pas de Logic Pro, et vérifiez qu’elle compte seize pas en doubles-croches.
• Allumez la grosse caisse aux pas 1 et 9, le cercle de caisse claire aux pas 5 et 13, le shaker sur tous les pas impairs, et la percussion à main aux pas 7, 11 et 15.
• En mode Velocity/Value, donnez au shaker une vélocité plus forte sur les temps, autour de 90, que sur les autres croches, autour de 65, et faites décroître la percussion à main d’un pas à l’autre, comme dans le lecteur.
• Bouclez la région sur quatre mesures, puis, pour la variante, convertissez le motif en région MIDI et ajoutez, sur la quatrième mesure seulement, une grosse caisse au pas 11 et une percussion au pas 16.
• Ou laissez la percussion de côté : la plupart des morceaux new age n’en ont pas.

Les voix empilées

• Enregistrez la même ligne mélodique huit à douze fois, sur autant de pistes, en gardant le même placement de micro.
• Alternez bouche fermée, voyelle ouverte et octave : c’est la variété des prises qui fait le chœur.
• Répartissez-les dans l’image stéréo avec le panoramique, qui va de moins 64 à plus 63, par paires symétriques, par exemple à 20 et à 40 de chaque côté.
• Regroupez-les sur une pile de pistes et insérez sur l’ensemble un DeEsser 2, qui atténue les sifflantes, puis un Compressor léger.
• Pour transformer une seule voyelle tenue en instrument, chargez-la dans Sample Alchemy ou dans Quick Sampler, en mode Classic, et jouez-la au clavier.

L’espace : réverbérations et échos

• Créez un premier auxiliaire avec Space Designer, une réverbération à convolution qui rejoue l’empreinte acoustique d’un lieu réel, sur un préréglage de grande salle ou d’église.
• Créez un second auxiliaire avec ChromaVerb réglé sur une grande pièce et une durée de six à dix secondes, pour les queues très longues ; ChromaVerb n’a pas de type plaque, prenez pour cela un préréglage de plaque de Space Designer.
• Réglez un pré-délai d’une soixantaine de millisecondes sur la réverbération longue, pour que l’attaque du piano reste nette.
• Sur chaque retour de réverbération, insérez un Channel EQ et coupez sous 200 Hz : une queue chargée en graves transforme tout le mixage en brouillard.
• Créez un auxiliaire d’écho avec Stereo Delay, synchronisé au tempo, une noire d’un côté et une croche pointée de l’autre, avec un Feedback bas.
• Pour un écho plus chaud, préférez Tape Delay ; pour épaissir la nappe, un Modulation Delay discret.

Le mixage et le master

• Pour que la nappe s’efface quand le piano ou la voix entre, insérez un Compressor sur la nappe et choisissez la piste de piano dans le menu Side Chain de l’en-tête du plug-in, avec une réduction de 1 à 2 dB seulement. La fiche sidechain explique le principe.
• Insérez un Direction Mixer sur la sortie générale, activez Split, réglez Crossover sur 120 Hz et ramenez Spread Low à zéro : le grave reste au centre pendant que les nappes s’étalent.
• Mesurez le volume avec Loudness Meter et ne cherchez pas à rivaliser avec la pop : entre moins 18 et moins 14 LUFS intégrés, l’unité du volume perçu, une musique calme garde ses nuances.
• Gardez le pic réel sous moins 1 dBTP, le décibel true peak : dans Adaptive Limiter, cochez True Peak Detection et réglez Out Ceiling sur moins 1 dB. Les fiches mixage et mastering détaillent la marche à suivre.

Tout ce qui précède décrit la pratique actuelle. Les pionniers n’avaient ni Studio Piano ni réverbération à convolution : George Winston enregistrait un vrai piano, Kitaro jouait sur un Minimoog et des Korg, et les voix d’Enya étaient d’abord empilées dans un studio de seize pistes installé au sous-sol de la maison des Ryan, à Dublin.

Ce qu’un praticien fait vraiment

L’ordre des étapes ci-dessus est pédagogique. En pratique, un compositeur de new age part presque toujours d’un son et d’un lieu : une nappe qui le touche, un piano dans une belle réverbération, un enregistrement fait en voyage. Il improvise longtemps sur ce son, enregistre tout, puis choisit. Paul Horn a enregistré Inside en jouant sous un dôme à l’acoustique exceptionnelle, jusqu’à ce que la bande s’épuise, vers onze heures du soir.

La deuxième habitude est de faire confiance à la maquette. Pour Watermark, Enya et Nicky Ryan ont d’abord tout enregistré chez eux, à Dublin, avant de réenregistrer le disque à Londres. Ils voulaient remplacer les parties jouées au Roland Juno-60, le synthétiseur préféré d’Enya, mais n’ont pas trouvé de meilleurs sons : celles de la maquette sont restées dans le mixage final. Créez vos propres réglages, enregistrez-les sous un nom à vous, et réutilisez-les : c’est ainsi qu’un son devient une signature.

La troisième habitude est d’écouter longtemps et bas, comme le morceau sera écouté. Enfin, un point d’époque : aucun des outils de Logic Pro cités ici n’existait en 1980, et la sobriété des pionniers était aussi une contrainte. Pour retrouver leur esprit, limitez-vous à trois ou quatre sons.

Les cinq erreurs du débutant

• Empiler les nappes : trois sons tenus dans le même registre se masquent, et le morceau devient une bouillie douce.
• Oublier la mélodie : un accord tenu pendant cinq minutes sans thème est un fond sonore, pas un morceau.
• Noyer le grave dans la réverbération : sans filtre sur les retours, la basse et la pédale deviennent floues.
• Quantifier le piano : les arpèges alignés sur la grille perdent toute respiration.
• Échantillonner un chant traditionnel, religieux ou un disque existant sans autorisation : Enigma et Deep Forest l’ont fait, et cela leur a valu procès et controverses, comme l’explique la partie consacrée aux droits.

↑ Retour au sommaire

Où trouver des sons new age ?

Dans Logic Pro

• ES2 pour les nappes et les sous-basses en sinus, Retro Synth pour les nappes analogiques, Alchemy et ses quatre sources pour les textures qui évoluent.
• Sample Alchemy, depuis Logic Pro 10.8, pour faire une nappe de votre voix ou d’un instrument enregistré.
• Studio Piano, Studio Strings et le Vintage Mellotron pour le piano, les cordes et les flûtes.
• Space Designer, ChromaVerb, Tape Delay, Stereo Delay et Modulation Delay, qui couvrent tout l’espace sonore du genre.
• Les MIDI FX Arpeggiator et Chord Trigger, pour jouer arpèges et accords sans être pianiste.

Boucles et banques

• Splice : abonnement à la boucle, sous une licence dite libre de droits, sans redevance par utilisation.
• Loopmasters : banques vendues à l’unité, sous licence sans redevance par utilisation, à lire avant tout usage commercial.
• Sample Magic : banques thématiques soignées, dont des textures et des nappes.
• Freesound : sons de la nature et enregistrements de terrain versés par une communauté, sous licences Creative Commons variées, à lire fichier par fichier avant tout usage commercial.

Instruments virtuels

• Spitfire Audio : sa série LABS, gratuite, riche en pianos feutrés, cordes et textures.
• Spectrasonics : Omnisphere, une référence des nappes évolutives.
• Arturia : émulations de synthétiseurs anciens, utiles pour les nappes de la musique cosmique.

Espace et caractère

• Valhalla DSP : réverbérations et échos très longs à prix modeste, dont un modèle gratuit, Supermassive.
• ChromaGlow, présent dans Logic Pro 11 sur les Mac à puce Apple, pour une saturation douce. La fiche ChromaGlow le présente.

Pour choisir votre matériel d’écoute et vos périphériques avant d’investir dans les logiciels, le cours Équipez votre home studio passe en revue les priorités dans l’ordre.

↑ Retour au sommaire

Lexique de la musique new age

• New age« Nouvel âge » : musique surtout instrumentale, calme et contemplative, née en Californie à la fin des années 1960 et nommée d’après le mouvement spirituel du même nom.
• Space music« Musique de l’espace » : nom donné par l’émission Hearts of Space à toute musique lente qui crée une sensation d’espace.
• Kankyō ongaku« Musique environnementale » : terme japonais apparu dans les années 1960 pour une musique composée pour des lieux précis.
• NappeSon tenu, sans attaque marquée, qui sert de fond harmonique à un morceau.
• Note pédaleNote tenue à la basse pendant que les accords changent au-dessus d’elle.
• Mode lydienGamme majeure dont la quatrième note est haussée d’un demi-ton ; en fa, on joue si bécarre au lieu de si bémol. Sa couleur est lumineuse et suspendue.
• Accord suspenduAccord dont la tierce est remplacée par la seconde (sus2) ou la quarte (sus4) : ni majeur ni mineur, il sonne en attente.
• RubatoJeu au tempo souple, qui ralentit et accélère selon l’expression, fréquent dans le piano solo.
• PizzicatoCordes pincées avec le doigt au lieu d’être frottées à l’archet ; celles d’« Orinoco Flow » sont imitées par un synthétiseur.
• Musique fonctionnelleNom donné par les plateformes aux sons de sommeil, au piano léger et aux bruits de fond écoutés pour se concentrer ou se détendre.

↑ Retour au sommaire

Six morceaux clés, tempo et ce qu’il faut écouter

Aucune mesure de tempo publiée et fiable n’a été trouvée pour ces six titres : les indications sont des repères d’écoute, à vérifier vous-même en tapant la pulsation sur trente secondes, puis en multipliant par deux. Pas de tonalité indiquée (les détections automatiques ne sont pas fiables). Ces six titres ont été choisis pour leur valeur pédagogique, et non pour représenter toutes les scènes du genre.

↑ Retour au sommaire

Labels, droits et échantillons

Le new age s’est construit sur des labels indépendants, souvent nés d’un seul disque ou d’une vente par correspondance. Windham Hill, fondé en 1976 à Palo Alto par William Ackerman et Anne Robinson, a déjà crû de plus de 300 % en 1982 ; BMG le rachète par étapes de 1992 à 1996, avant que Sony n’en absorbe le catalogue, aujourd’hui réédité par Legacy Recordings. Narada est racheté par Virgin en 1997. Private Music, fondé en 1984 par Peter Baumann, accueille Suzanne Ciani, Patrick O’Hearn et Yanni avant d’être racheté par BMG en 1996. La Canadienne Loreena McKennitt, elle, publie tout sur Quinlan Road, la maison qu’elle a fondée en 1985.

Depuis les années 2010, les labels de réédition font vivre le répertoire : Light in the Attic, avec I Am the Center et Kankyō Ongaku, Numero Group pour Laraaji, ou Leaving Records pour la jeune génération.

Sur un morceau, deux droits coexistent. Le droit d’auteur porte sur l’œuvre, la musique et le texte, et il est le plus souvent géré en France par la Sacem lorsque les auteurs y ont adhéré ; les parts des coauteurs se fixent par écrit avant la sortie. Les droits voisins portent sur l’enregistrement et appartiennent au producteur du disque, celui qui finance et détient la bande, ainsi qu’aux artistes-interprètes. Un contrat de label porte d’abord sur ce second droit : lisez la durée de la cession, le territoire, le partage des revenus et l’exclusivité.

La synchronisation, l’association d’un morceau à des images dans une publicité, un film, un documentaire, une application de méditation ou une vidéo de relaxation, est un débouché naturel du new age. Elle exige deux autorisations distinctes, celle de l’éditeur pour l’œuvre et celle du producteur pour l’enregistrement, aucune des deux n’étant délivrée par la Sacem. Méfiez-vous des contrats qui vous demandent de céder tous vos droits pour une somme forfaitaire : lisez ce que vous cédez, pour combien de temps et sur quels supports.

Échantillons, chants traditionnels et sons d’usine

• Reprendre une pièce telle qu’elle a été écrite ne demande pas en France d’autorisation particulière aux auteurs : on déclare l’œuvre, et les droits dus aux auteurs et aux éditeurs leur sont reversés, principalement par la Sacem.
• Échantillonner un enregistrement demande deux autorisations, celle des titulaires des droits sur l’œuvre, généralement l’éditeur, et celle du producteur de l’enregistrement, qui se porte en général fort des interprètes.
• Un chant ancien n’est pas un enregistrement libre. La mélodie d’un chant grégorien appartient au domaine public, mais pas le disque qui la fait entendre. Les voix de « Sadeness (Part I) » viennent surtout de Paschale Mysterium, un album de 1977 du chœur Capella Antiqua München, dirigé par Konrad Ruhland, utilisé sans autorisation : un procès a suivi en 1994, réglé par une indemnisation.
• Un enregistrement de terrain n’est pas libre non plus. « Sweet Lullaby » de Deep Forest repose sur une berceuse des îles Salomon, « Rorogwela », chantée par Afunakwa et enregistrée par l’ethnomusicologue Hugo Zemp, reprise sans l’accord ni de la chanteuse, ni du chercheur, ni des éditeurs du disque d’origine, l’Unesco et Auvidis. Pour « Freedom Cry », sur l’album Boheme, le groupe a échantillonné le chant d’un musicien rom, Károly Rostás, dont la famille n’a été dédommagée que tardivement. L’interprète d’un chant traditionnel est un artiste, pas un décor.
• Dans l’arrêt Pelham du 29 juillet 2019, la Cour de justice de l’Union européenne a jugé que même un fragment très court reproduit l’enregistrement, sauf s’il est modifié au point d’être méconnaissable à l’écoute : ralentir, filtrer ou noyer un chant dans la réverbération ne suffit pas tant qu’on le reconnaît.
• Le 14 avril 2026, dans l’arrêt Pelham II, la Cour a précisé l’exception de pastiche : une œuvre peut emprunter à une autre si elle l’évoque, s’en distingue nettement et engage avec elle un dialogue artistique reconnaissable. Ce n’est pas un passe-partout. Ne bâtissez pas un morceau commercial sur cette exception sans l’avis d’un juriste.
• Rejouer soi-même une mélodie protégée au lieu de l’échantillonner, ce qu’on appelle une interpolation, demande toujours l’accord des titulaires des droits sur l’œuvre, mais plus celui du producteur de l’enregistrement d’origine.
• Les sons d’usine de Logic Pro, boucles, échantillons et jeux de sons, peuvent selon Apple être utilisés sans redevance dans vos propres morceaux, mais pas distribués seuls ni reconditionnés en banques.
• Le style lui-même n’est pas protégé : personne ne possède le mode lydien, une nappe de synthétiseur ou un accordage en 432 Hz. Ce qui est protégé, c’est une mélodie, un texte ou un enregistrement précis.
• Interpréter vos morceaux ou des reprises en concert en France ne demande pas d’autorisation individuelle : l’organisateur déclare le répertoire et règle les droits à la Sacem, qui les reverse aux ayants droit, y compris étrangers.

Une fois ces questions réglées, reste à faire connaître votre musique : dans un genre où l’image, le paysage et l’atmosphère comptent autant que le son, notre formation Final Cut Pro, EPK et site web pour musiciens vous apprend à monter vos vidéos, à construire votre EPK et à publier votre site d’artiste.

↑ Retour au sommaire

Une playlist pour écouter le new age

Pour passer de la lecture à l’écoute, YouTips a tiré de cette fiche une playlist Apple Music : 30 titres dans l’ordre chronologique, un par artiste, choisis dans la liste des 100 artistes ci-dessous. Le bouton « Écouter ici » ouvre le lecteur sans quitter la page.

↑ Retour au sommaire

Les 100 artistes qui ont fait la musique new age

↑ Retour au sommaire

Questions fréquentes

Qu’est-ce que la musique new age ?

C’est une musique le plus souvent instrumentale, lente et apaisante, née en Californie à la fin des années 1960 et devenue une catégorie commerciale dans les années 1980. Elle se reconnaît à ses nappes de synthétiseur, à son piano ou sa guitare acoustique joués avec beaucoup d’espace, à ses instruments venus d’Asie ou d’Irlande, à son harmonie qui flotte sans conclure et à l’absence presque totale de batterie.

Quelle est la différence entre le new age et l’ambient ?

L’ambient est né d’une idée de compositeur, celle de Brian Eno en 1978 : une musique qui crée un environnement, aussi facile à ignorer qu’à écouter. Le new age est né d’un usage, la méditation et la détente, et il assume des mélodies plus consonantes, un piano ou une voix qui chantent et une promesse de bien-être. Les deux se recouvrent souvent, et depuis 2023 un même Grammy récompense le meilleur album « new age, ambient ou chant ».

La musique new age est-elle relaxante ?

Elle est conçue pour l’être : tempo lent ou libre, pas de batterie, dynamiques douces, sans accords brusques. Beaucoup de gens l’écoutent pour se détendre ou s’endormir. Mais l’effet dépend de chaque auditeur, de ses goûts et du moment, et aucune musique ne remplace un traitement : une musique douce peut accompagner la détente, elle ne soigne pas une maladie.

La musique en 432 Hz a-t-elle des effets sur la santé ?

Rien ne le montre de façon solide. Passer de 440 à 432 Hz baisse toutes les notes d’environ 32 cents, un tiers de demi-ton. Les rares études sont petites et peu concluantes : dans un essai de 2025, la différence entre 432 et 443 Hz n’était pas statistiquement significative. Les fréquences « solfeggio » n’ont aucune base scientifique. Une musique plus grave peut simplement paraître plus calme.

Comment composer de la musique new age dans Logic Pro ?

Commencez par une nappe dans ES2 ou Alchemy, avec une attaque et un relâchement longs, sur une grille lente comme « Le flottement lydien » : fa majeur septième, puis un accord de sol sur une basse de fa. Ajoutez un piano joué sans quantification, avec la pédale de sustain, puis une réverbération longue avec Space Designer ou ChromaVerb. Si vous voulez une pulsation, programmez un motif doux de percussions à main et de shaker autour de 84 BPM. La partie « Composer de la musique new age en home studio » détaille chaque réglage.

↑ Retour au sommaire

Sources

• « New-age music », « Grammy Award for Best New Age, Ambient or Chant Album », « Hearts of Space », « Windham Hill Records », « Narada Productions » et « Private Music (record label) », Wikipédia en anglais, consultés en octobre 2026.
• Articles de Wikipédia en anglais consacrés aux albums, titres et artistes cités, notamment « Music for Zen Meditation », « Inside (Paul Horn album) », « Iasos (musician) », « Steven Halpern », « Autumn (George Winston album) », « Kitarō », « The Silk Road (Japanese TV series) », « Andreas Vollenweider », « Watermark (Enya album) », « Orinoco Flow », « Clannad », « Loreena McKennitt », « Sadeness (Part I) », « Deep Forest », « Era (musical project) », « Nocturne (Secret Garden song) », « Live at the Acropolis », « Vangelis », « Oxygène », « Tubular Bells », « Gymnopédies », « Ludovico Einaudi », « Laraaji », « Hiroshi Yoshimura » et « Kankyō Ongaku », consultés en octobre 2026.
• Dazed, entretien avec Midori Takada ; The Quietus, sur I Am the Center, 2013 ; Perfect Circuit, « Perspectives on New Age Music » ; Leaving Records et RVNG Intl., pages de Green-House et d’Emily A. Sprague.
• Calamassi et coll., étude pilote randomisée en double aveugle sur l’écoute de musique à 440 et 432 Hz, Acta Biomedica, 2022 ; Hohneck et coll., essai croisé randomisé à 432 et 443 Hz, BMC Complementary Medicine and Therapies, 2025 ; Sandra Garrido, The Conversation, repris par PsyPost le 20 mai 2026 ; Science Feedback, sur les fréquences « solfeggio », 30 septembre 2022.
• Spotify for Artists, « Functional music » ; Sleep Review, d’après The Guardian, septembre 2015.
• Cour de justice de l’Union européenne, arrêts Pelham, C-476/17, 29 juillet 2019, et Pelham II, C-590/23, 14 avril 2026 ; article L122-5 du Code de la propriété intellectuelle.
• Apple, « Use the royalty-free content included with Logic Pro for Mac and MainStage in commercial works », et Logic Pro : Guide de l’utilisateur, consultés en 2026.